Blomkamp y el cine 3.0

Desde que irrumpió en las salas con Distrito 9, este director relativamente joven, no ha dejado de cosechar el éxito tanto en taquilla como en las críticas expertas. Puede que a esta leona le gusten más algunas de sus películas que otras, pero hay que reconocer que cada vez que se estrena algo suyo vuelve el aire fresco a las salas comerciales.

Imagen de neill blomkamp

Blomkamp junto a una de las creaciones y el logo de su estudio

Este verano, el director ofreció una entrevista a The Verge. La gran mayoría de entusiastas, fans, comentaristas de los medios online, etc. se quedaron exclusivamente con el final de su entrevista, en la que afirma que el proyecto de Alien que tenía entre manos está definitivamente muerto. Algo que parecía bastante sonado teniendo en cuenta los rumores acerca del celo de Scott sobre la saga.

Lo verdaderamente interesante de la entrevista es el proyecto en el que está actualmente inmerso Blomkamp. A través de la creación de su propio estudio, Oats Studios, el director quiere conseguir un ecosistema creativo de participación abierta. Su intención es producir piezas que desarrollen ideas que surjan en el estudio para sacarlas online de manera gratuita. Y no solo esto, sino también ofrecer los materiales en bruto de creación, como piezas de 3D, guión, screenplays, etc. Y que los usuarios puedan colaborar y ofrecer sus propias propuestas.

Oats Studios

Fotografía de Abhishek Joshi / Oats Studios fuente: The Verge

Con todo ese feedback, el creador quiere conseguir proyectos verdaderamente orgánicos, que evolucionen con la audiencia y poder ofrecer finalmente piezas de alta calidad. De este modo, crear lo que podríamos denominar cine 3.0 a través de las sinergias creativas de una gran masa de usuarios que puedan aportar su granito de arena. Si os interesa ser parte de la vorágine creativa, podéis participar a través de las redes sociales de Oats Studios, en el foro de su web o en la plataforma Steam.

No sé si el experimento de Blomkamp funcionará como realmente espera, pero si lo consigue, puede que siente las bases de una nueva forma de crear cine por y para la audiencia creativa y con verdaderas ansias de consumir cine de calidad en las grandes salas.

Os dejo un enlace a la entrevista original (en inglés): Neill Blomkamp – The Verge.

 

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Ghost in the Shell para ‘dummies’

Fui a ver Ghost in the Shell hace meses. Salí rugiendo del cine. Otra vez, me habían vuelto a engañar. Otra vez me había dejado llevar por las promesas de ese pequeño spot al que llamamos trailer. Mi indignación era tal que decidí dejar enfriar mi crítica, primero en la ventana, luego directamente en el congelador. Hoy la recupero con frialdad absoluta para evitar ser injusta con la película. Visto lo que se estrena en salas últimamente, he de decir que mi cabreo como fan, aunque razonable, rozaba la injusticia. En parte porque conocía el anime y en parte porque me gustan aquellas películas que provocan o invitan a la reflexión. No entandáis por ello que me gusta el cine espeso. Eso de ponerse peñazo para parecer profundos es muy de posmoderno. Hay películas que invitan a la reflexión sin dejar de ser trepidantes, desternillantes o emotivas.

Volviendo a Ghost in the Shell, tanto el manga como el anime en los que se basa la cinta de Sanders transmiten historias que trascienden su marco cyberpunk para filosofar junto al espectador sobre el futuro de una humanidad altamente tecnológica. La película estrenada el pasado marzo cambia los papeles y otorga protagonismo al cyberpunk, la robótica, la acción y el thriller en detrimento de la reflexión filosófica. El resultado es un potente producto de taquillazo.

A la izquierda el personaje principal del anime, a la derecha Scarlett encarnándolo en la película.

 

 

 

Imágenes espectaculares en escenarios distópicos inundan la pantalla con una fotografía enfermizamente fiel al anime original. Una reinterpretación de la banda sonora que todos asociamos con Ghost in the Shell termina de meternos en el ambiente y nos funde con una acción trepidante llena de detalles, exquisitos vestuarios y cuidadas coreografías. Pero algo resbala en el fondo. Inmersos en la película nos damos cuenta de que no tiene sustento, no tiene base. La reflexión inquietante, la duda existencial que provocaba la historia original ha dado paso a un argumento insulso y casi pueril que intenta arropar al espectador para que se sienta a gusto en su piel y con su especie.

Cabe destacar el casting de la película, que resulta en un elenco de personajes muy fiel al anime de 1995, salvo evidentes diferencias como Boma y Togusa . Entre los actores del film, sobresale el papel de la actriz Scarlett Johansson. Gracias a su interpretación de “la Mayor”, soportamos un poco mejor la falta de sustancia general en la película. En resumen, una historia tan tamizada para las grandes salas que se ha quedado vacía. Eso sí, la acompaña una buena cobertura gracias a la fotografía, la interpretación, la banda sonora y los efectos especiales junto a los vestuarios y la escenografía.

Ghost in the Shell dejará der ser solo animación en 2017

Brrrr, vaya escalofrío recorrió mi lomo cuando me enteré y confirmé que desde 2008 se lleva cocinando una película de Ghost in the Shell con actores reales. Esta leona tiene un especial cariño al manga original de Masamune Shirow y reverencio la película animada de 1995. Después de muchas vueltas, parece que el largometraje se estranará en el primer trimestre de 2017.

Identificador del anime sobre una escena del largometraje de 1995

Identificador del anime sobre una escena del largometraje de 1995

Para quien no conozca ni el manga ni los animes, Ghost in the Shell es una profunda historia cyberpunk que reflexiona sobre temas trascendentales como la existencia, la consciencia y la voluntad de perduración de los seres. ¿Hay alma?, ¿es esto algo exclusivo de los humanos? O por el contrario, ¿el simple hecho de tener consciencia implica la existencia de un ánima que tiene voluntad propia? Todo ello en un mundo altamente tecnológico que cada vez se deshumaniza más. En el universo de esta historia, los humanos son cada vez más máquinas y éstas a su vez son cada vez más humanas. Lo único que parece diferenciar a unos de otras es el “ghost” un concepto que se puede traducir por el occidental de “alma” y que hace referencia directa a la consciencia y trascendencia de la existencia del individuo. ¿Qué ocurriría si apareciese una armazón tecnológica (shell) que sí tuviese ghost? Esta profunda reflexión filosófica atraviesa de manera contundente una historia llena de acción, ciencia ficción y personajes complejos enmarcada en un futuro tecnológico no tan lejano a día de hoy (2029).

Detalle del art book de la película que se estrenará en marzo de 2017

Detalle del art book de la película que se estrenará en marzo de 2017

Vista la complejidad que encierra el argumento de Ghost in the Shell, entenderéis que esta leona vea con desconfianza el próximo estreno. Tengo que decir, sin embargo, que el trailer resulta prometedor. Su fotografía y ambientaciones son casi idénticas a la película de animación de 1995. Tuve mis dudas con Scarlett Johansson en el papel de Motoko Kusanagi (la cyborg protagonista del film) pero por lo poco que se aprecia en el trailer, parece que se ha puesto las pilas con este personaje. De hecho, una de las mayores polémicas de la producción es el hecho de que no se trata de una actriz asiática.

A la izquierda el personaje principal del anime, a la derecha Scarlett encarnándolo en la próxima película

A la izquierda el personaje principal del anime, a la derecha Scarlett encarnándolo en la próxima película

El art book, o al menos las pocas imágenes que pululan por la Red, también resulta esperanzador. Parece que esta vez Hollywood se ha puesto las pilas. Espero que sea cierto y que tras su estreno el 31 de marzo de 2017, no tenga que hacer una entrada con un enorme rugido de desaprobación. Sin duda será mi película más esperada del próximo año.

Os dejo a continuación con el trailer de la película de animación de 1995 y el de la nueva versión del director Rupert Sanders (Blancanieves y la leyenda del cazador) para que podáis juzgar si promete o no.

Animales fantásticos y dónde encontrarlos, delicatessen para fans

Has crecido con Harry Potter. Has leído todas sus aventuras, incluso la historia del quidditch y el de animales fantásticos de Newt Scamander. Tenías la última novela incluso antes de que saliese en tu país. Puede que hayas leído alguno en versión original y fuiste a ver todas las pelis, aunque no fuesen lo mejor de la taquilla. Y, reconócelo, a veces aún esperas que en tu buzón aparezca una carta de Hogwarts.

Si es así, si formas parte de ese grupo de personas que llegaron a la adolescencia sabiéndose muggle y soñando ser mago o bruja, esta película te va a encantar. No sale el chico del rayo, no sale ningún personaje actual del mundo de J. K. Rowling. Sí verás, por otro lado, las diferencias con los magos de yankilandia, que son tantas como las que hay entre los muggles ingleses y los nomaj americanos. Los efectos especiales consiguen que las maravillosas criaturas fantásticas cobren vida, a la vez que nos identificamos con ese chico raro que solo quiere publicar su manual para que estén a salvo. El guión, escrito por la propia autora de Harry Potter, explora en la Historia de la Magia para traernos los principios de los años oscuros. Y como estamos en Estados Unidos, no podían faltar referencias a Salem y la tradición americana en relación a las brujas.

Fotograma de la película

Fotograma de la película con Newt Scamander (Eddie Redmayne)

Es destacable la interpretación de Eddie Redmayne como Newt Scamander. En este caso, el oscarizado actor inglés, consigue dar vida a un personaje que se nos presenta complejo gracias a sus gestos y silencios. Es lo mejor de la película y te recomiendo que la veas en versión original para disfrutar de la genial actuación de Redmayne (La teoría del todo, La chica danesa).

En definitiva, David Yates no defrauda al dar vida de nuevo al universo de Rowling. Que ella haya sido la guionista es todo un acierto para salvaguardar la fidelidad al mundo mágico que ha creado. La banda sonora es correcta y llena de referencias a la época que retrata la película: los años veinte neoyorquinos. El vestuario es espectacular y los escenarios son adecuados, sin regodearse en exceso en los clásicos de Nueva York (algo entendible, ya que fue rodada íntegramente en Gran Bretaña), aprovecha los guiños al art decó de la época.

Ejemplo del art decó y detalle del interior del MACUSA

Ejemplo del art decó y detalle del interior del MACUSA

No es una obra maestra (está claro que es cine comercial), pero si eres fan de la saga, disfrutarás como nunca del universo mágico de J. K. Rowling. Cuando termine te quedarás con ganas de más porque, ¿quién no ha deseado que fuese verdad? Y si lo supieses, ¿guardarías el secreto? Y como Rowling y Warner Bros saben que estás deseando saber más de los magos, la productora ya ha confirmado que será una saga de cinco películas. Así que a disfrutar, fans de este maravilloso universo fantástico.

Hardcore Henry, la narrativa del FPS llevada al cine

Si estás habituado a jugar shooters en primera persona, esta cinta te hará sentir como en casa. Con un coste de alrededor de 2 millones de dólares esta co-producción ruso-estadounidense-chinesa (tela con la mezcla) muestra mucha inventiva en camarografía. Hardcore Henry nos hace protagonistas de la historia sin que lo seamos realmente. Es el cine hecho videojuego o viceversa.

cartel-hardcore-henry

Imagen del cartel

Al inicio de la cinta nos sentimos extrañados con personajes que nos miran directamente y nos apelan, con un cuerpo que parece ser el nuestro por la perspectiva de la cámara. También nos marea el movimiento, pese a los sistemas de estabilización que se usaron para rodarla. Poco a poco, antes si eres gamer, te vas a costumbrando al ajetreo de la acción trepidante, de los movimientos rápidos de cámara y a ese no saber de la narrativa en primera persona. En ese momento entramos en la historia. Es un relato de ciencia ficción, acción y thriller que recuerda a la perfección a los guiones de los mencionados videojuegos por su estructura y la relevancia de la información que a cuentagotas nos proporcionan el entorno y el resto de personajes.

Mención especial para Sharlto Copley (Jimmy) que hace un papel vertiginoso. Ya me gustó trabajando bajo la dirección de Blomkamp (District 9, Elysium, Chappie) y ahora confirmo que me parece un actorazo. Su personaje, junto a la narrativa en primera persona, son lo más reseñable de la película.

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Una de las caras del personaje interpretado por Sharlto Copley (Jimmy)

El título del film es bastante explícito en cuanto a su contenido. En una Rusia futurista, nos movemos por un entorno hostil con una música trepidante y rodeados de muerte, sangre y destrucción. Y aunque algunas incógnitas de la película se quedan así, no se puede esperar otra cosa de una historia en primera persona. Sin esa cámara omnipresente o ese narrador que todo lo sabe, muchas cosas las desconocemos. No quiero que se me malinterprete, la historia tiene final (nos guste más o menos) pero me sigo preguntando de dónde salen las características de algún personaje. Quizá es la naturaleza curiosa de esta felina, pero tampoco son asuntos que realmente afecten a la trama.

En conjunto, por su osadía, su violencia descarnada, su ironía y su bajo presupuesto, podemos decir que se trata de un largometraje potable gracias a que no pierde su esencia en ningún momento. Tengo la sensación de que Hardcore Henry es de esa clase de películas que o bien odias y no puedes terminar de ver con placer, o bien disfrutas con emoción divertida aceptando su irreverencia. En mi caso, solo por la curiosidad de su narrativa en primera persona (sobre todo si eres aficcionado a los videojuegos) y si tienes estómago para las vísceras, resulta entretenida para una noche con amigos.

BONUSTRACK DE CURIOSIDADES

Es la primera película rodada íntegramente en primera persona, con lo que no se había osado algo así hasta 2015 (!)
Se grabó con cámaras GoPro y el uso de una máscara especialmente diseñada para la película por Sergey Valyaev.
Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Toronto de 2015 y tras su aceptación por el público provocó una lucha por la adquisición de sus derechos entre Lionsgate, Universal y STX Entertainment (que finalmente ganó).

Un monstruo viene a verme, dramón de fin de semana

Intentaré no hacer spoilers de esta película que tanta gente quiere ver porque la han puesto por las nubes. Parece que Bayona tiene especial gusto por las historias que aumentan la cotización de Kleenex. Al igual que con El Orfanato, ahora mezcla fantasía y realidad en una historia dramática. Está basada en la novela homónima de Patrick Ness que ha participado como guionista, por lo que entenderemos que es una buena adaptación.

Los efectos especiales son espectaculares pero, como he dicho varias veces, a estas alturas y con un gran presupuesto esto es algo que no debería fallar nunca. Las actuaciones son bastante mediocres y los personajes, en fin, algo básicos. Clama al cielo el nefasto doblaje de Conor, el niño protagonista. La música es simple y parece especialmente diseñada para provocar la lágrima fácil en los momentos cruciales. Es tan simple, que incluso es superada por carga emotiva por el silencio que se produce en una de las escenas clave.

Escena de la película Un monstruo viene a verme

Uno de los muchos momentos sensibleros.

La historia (desconozco si por la novela o por el guión) es previsible. Pero no contentos con ello y esperando que cualquiera que preste poca atención siga el hilo, la narrativa visual está llena de obviedades para que no nos perdamos lo que realmente ocurre, quién es quién y qué les está pasando. La temática podría ser la superación de la culpa ante la muerte y diré que en este caso, sucede a la velocidad de la luz. Conor es un auténtico superdotado emocional. Tengo la sensación de que ha sido una historia concebida por alguien que ha intentado ponerse en esa situación pero no la ha vivido realmente. Yo viví algo parecido y he de decir que no me he sentido para nada envuelta por la historia ni las emociones, y mi hermana, que entonces tenía la misma edad que el protagonista, salió de la sala diciendo “qué poco creíble es todo, parece un culebrón”.

Sé que iréis a verla igual y no seré yo quien os haga desistir de hacerlo. Cuando hayáis pasado por la gran pantalla, por favor, regresad con la Leona y contadme qué os ha parecido. En la sala en la que estuve, pude comprobar cómo la gente salió compungida pero a la vez no del todo segura de que lo que había visto fuese el peliculón que les habían contado. Y es que esto es lo que sucede cuando confiamos la empatía emocional a los recursos comerciales del cine: efectos, primeros planos insoportables en partes emotivas, música sensiblera y un niño sufriendo.

Juan de los Muertos, zombies disidentes

El mes pasado la noticia del retraso del estreno de Guerra Mundial Z 2 hizo que me picase el gusanillo de nuevo sobre el género zombie. Rebuscando un poco, encontré una película de co-pruducción española y cubana del 2011. Juan of the Dead (Juan de los Muertos) es un largometraje de Alejandro Brugués cuya acción se sitúa en Cuba y trata el tema zombie con ironía y trasfondo. Ha sido galardonada con múltiples premios tanto del jurado como del público y en 2013 con el Goya a la mejor película iberoamericana.

Sin saber muy bien de dónde surgen los zombies, poco a poco la plaga se extiende, mientras los medios atribuyen el problema al imperialismo americano y aseguran que los zombies son disidentes. Juan descubre que puede deshacerse de ellos destruyendo su cerebro y se percata de la posibilidad de un negocio rentable. Inicia así su empresa, Juan de los muertos, con el slogan “Matamos a sus seres queridos”.

Escena de la película Juan de los muertos

Escena de la película Juan de los muertos

La película destila Cuba por sus 100 minutos de metraje. Desde los personajes, hasta las situaciones, pasando por la fotografía que retrata una Habana apacible hasta que llegan los zombies. Los diálogos y las situaciones son cómicos en muchas ocasiones pero sin llegar a la caricatura. Transmiten fielmente el espíritu cubano: si los zombies invaden tu tierra tienes dos opciones, huir o defenderla. Y esto último es lo que decide hacer Juan, que se niega a abandonar la tierra que ama y dejarlo todo en manos de los “disidentes” americanos.

El guión juega explícitamente con la idea de que todos los males de Cuba vienen de los Estados Unidos (o eso nos dicen los medios) y los zombies no podían ser una excepción. Pese al trasfondo social que invita a reflexionar, Juan de los Muertos es esencialmente una película de humor y acción sobre zombies. Explota de manera irreverente el sentido del humor cubano con unos personajes característicos de su sociedad en la que el chascarrillo machista o la ironía sobre “estoy es lo que hay y a seguir para adelante” no dejan indiferente. Buenos actores, buenos diálogos y mejor guión que hacen pasar un buen rato al espectador mientras le muestran cómo se hacen las cosas en Cuba, aunque de zombies se trate.

Os dejo con el trailer a ver si os pica el gusanillo…